Ce qui nous fait du bien chez les vrais créateurs, ceux qui n’hésitent pas à sortir des sentiers battus c’est leur capacité à renouveler le cadre, à l’étirer, à le renverser même, quelquefois, sans complexe. Le génie créatif est une aptitude totalement dissociée de la connaissance de l’écriture musicale même si bien sûr on ne peut être musicien sans pratiquer assidûment son art.
Réflexion sur la création musicale
Le monde de la musique actuelle semble parfois tourner en rond. Les chansons pop d’aujourd’hui, souvent perçues comme de plus en plus similaires, n’ont pas connu de grandes ruptures stylistiques depuis le début du siècle, malgré des évolutions et fusions de genre. Cette tendance est partiellement attribuable à l’absence de changements majeurs dans les technologies de création musicale, qui se sont plutôt concentrées sur l’optimisation et la simplification des outils existants.
Parallèlement, le paysage de la diffusion musicale a connu des transformations radicales, notamment avec l’avènement du streaming et d’autres plateformes numériques. Quant au paysage de la distribution, il reste souvent figé dans des standards marketing stéréotypés. De fait, la musique actuelle reste dominée par des genres établis et un marché concentré sur des formules éprouvées. L’heure est à la recherche de recettes commerciales et à la répétition, plutôt que l’innovation radicale. Cette approche a mené à une sorte de saturation, où la nouveauté semble s’essouffler face à un flux constant de productions similaires.
La nostalgie est un autre facteur qui joue un rôle significatif dans la création musicale actuelle. En l’absence de nouveautés et de fraîcheur, la fascination pour le passé influence fortement les tendances actuelles. Des genres comme la vaporwave et le lo-fi hip-hop illustrent cette tendance, s’inspirant d’éléments sonores et visuels des décennies passées pour créer des atmosphères contemporaines.
Malgré ces tendances, la création musicale n’est pas à bout de souffle. Elle continue de se transformer et de s’adapter, reflétant non seulement des influences passées, mais aussi des réponses aux conditions actuelles. L’industrie de la musique, tout en restant ancrée dans des pratiques éprouvées, laisse toujours place à la créativité et à l’innovation, même si celles-ci peuvent prendre des formes différentes de celles attendues par le passé.
Peut-on développer sa créativité musicale ?
La créativité musicale est un processus naturel qui peut être réappris et amélioré. Elle commence par l’inspiration, où l’on s’imprègne du monde extérieur et des œuvres des prédécesseurs. L’écoute de divers genres musicaux et l’exposition à différents arts enrichissent cette phase.
D’un point de vue cognitif, la phase de création se divise en deux étapes : celle du « cerveau droit » et celle du « cerveau gauche ». Le cerveau droit gère l’aspect créatif, encourageant le brainstorming, l’improvisation, l’expérimentation et la transformation sans jugement ni autocensure. C’est le moment de libérer pleinement sa créativité, enregistrer ses idées et expérimenter avec sons et rythmes.
Ensuite, le cerveau gauche entre en jeu, apportant structure et ordre. En s’inspirant de la structure de morceaux préférés, on organise les éléments créatifs en une composition cohérente. Cette phase implique de trier les idées accumulées, de choisir celles qui s’adaptent le mieux à chaque section du morceau, et d’enregistrer les pistes finales.
En combinant ces deux aspects de la pensée, on peut développer une approche équilibrée de la création musicale, alliant inspiration et structure, pour une expression artistique pleine et riche. Bien entendu, en plus de l’oreille, les aspects émotionnels et le ressenti jouent à plein. La création musicale n’est pas qu’une affaire cérébrale.
Dans tous les cas, noter ses idées en continu est crucial pour capturer les moments d’inspiration spontanés.